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Lumière sur… Pierre-Elie de Pibrac

Du 16 novembre 2013 au 21 septembre 2014

Photos : ©Pierre-Elie de Pibrac

J’ai rencontré Pierre-Elie lors de l’édition 2010 du festival MAP. J’ai tout de suite été séduite, tant par la série qu’il exposait alors « American Showcase », que par la jeunesse et l’histoire singulière du personnage : étudiant en finances, et malgré un grand-père photographe, Pierre-Elie ne s’intéresse pas plus que ça à la photographie.

C’est au cours d’un voyage à New-York en en 2005 qu’il aura la révélation (un de ses clichés remportera le prix du reportage, du concours amateur organisé chaque année par le magazine PHOTO). Fasciné par cette ville, il décide d’y retourner pour s’éloigner un peu des clichés touristiques et se met en chasse d’images plus insolites, c’est de là que naîtra « American Showcase »…
Lauréats de plusieurs autres concours et après quelques expos, il décide enfin, pour notre plus grand bonheur, d’en faire son métier ! Et les USA continuent de l’inspirer. Pierre-Elie programme en 2010 un nouveau road trip à travers tout le pays, afin de rencontrer les « Real Life Super Heroes ». Succès immédiat…
Son dernier travail en cours sera dévoilé fin 2014. Un travail plus profond, encore plus proche de l’être humain. Il est ici question de danse, et du rapport au corps…

Pierre-Elie, après avoir beaucoup exploré les Etats-Unis, tu as décidé de revenir t’inspirer en France. Comment a débuté cette grande aventure avec l’Opéra Garnier ?

Les Etats-Unis m’ont charmé par leur grandeur et l’énergie qui se dégageait des lieux et des habitants, elles me surprennent à chaque fois que j’y vais et à chaque rencontre. Habitant en France et inspiré par la découverte, pour mon plus grand malheur, je n’avais jamais jusqu’ici trouvé de sujet dans mon pays. J’avais besoin de distance et de sortir de l’univers dans lequel j’ai grandi, d’où mes deux séries aux Etats-Unis et mes reportages en Birmanie et à Cuba. Entre American « Showcase » et les « RLSH » je me suis petit à petit concentré vers l’humain, allant d’une prédominance du paysage vers une prédominance du corps. Ma femme, Olivia, a dansé pendant 10 ans et m’a emmené des dizaines de fois à des Ballet à l’Opéra Garnier, j’ai toujours trouvé ce lieu passionnant, son histoire et son architecture sont incroyables et j’ai toujours été fasciné par la maîtrise du corps qu’ont les danseurs. Grâce à une belle rencontre, j’ai eu la chance d’être introduit auprès de Brigitte Lefèvre, Directrice de la danse de l’Opéra de Paris. Je lui ai alors présenté un projet qui me tenait à cœur depuis longtemps, mais que je ne me sentais pas encore capable de réaliser (ni d’y faire face vu son ampleur). Je ne me trouvais pas assez mature dans mon approche photographique et ne voulais pas gâcher cette idée par un mauvais angle d’attaque. Mais cette rencontre a été un déclic, elle m’a tout de suite soutenu et donné sa confiance, ce qui m’a beaucoup touché. J’ai alors décidé d’attaquer ce qui est pour moi le plus intense travail que je n’ai jamais réalisé : 9 mois au cœur du Ballet de l’Opéra de Paris pour la réalisation de trois séries. La vie m’a permis de rencontrer les bonnes personnes, ma femme m’a donné toute la motivation et la confiance en moi dont j’avais besoin, et Brigitte Lefèvre m’a grand ouvert les portes d’un lieu mythique, magique et presque impénétrable. Tout était réuni pour que je puisse tirer le meilleur de cette superbe opportunité…

Le fruit de ton travail avec ces danseurs s’orientera vers 3 directions, peux-tu nous en dire plus ?

Il y a en effet trois directions complémentaires et décalées dans leur réalisation. Tout d’abord, pour rentrer dans la vie du Corps de Ballet et comprendre leur univers, j’ai assisté quelques semaines à leurs répétitions sans prendre de photo, simplement pour essayer de les comprendre et de me fondre dans le décor pour ne jamais les déranger. Ils m’ont accepté très vite et avec une très grande gentillesse. J’ai ensuite commencé un reportage sur leur vie, un reportage brut et en noir et blanc, qui témoigne d’une saison des danseurs aussi bien pendant leurs répétitions que dans les coulisses des ballets, les couloirs de l’Opéra, leurs loges, pendant les essais costumes, mais aussi sur l’univers du bâtiment, les décors et la vie de ceux qui les entourent et créent la magie des ballets : costumiers, tapissiers, coloristes, etc.

La deuxième approche est plus personnelle, sur la danse et les danseurs. Je cherche à capter l ‘énergie dégagée lors des représentations et sa diffusion dans l’espace. Lorsque le regardant fera face à mes photographies, il pourra lui-même la capter et la transformer comme il le souhaite, y voyant la forme qu’il désire et ainsi s’approprier cette énergie. C’est un travail abstrait et très contemporain pour lequel j’ai du développer une nouvelle technique photographique et modifier mon appareil photo.

La troisième partie est un travail de groupe, une création commune avec des danseurs de l’Opéra de Paris. Ce sont des mises en scène dans lesquelles je vais capter la relation entre les murs de l’Opéra Garnier et ses danseurs, le but étant de mettre en avant l’influence et l’importance du lieu sur les artistes qui y évoluent. Cet endroit étant unique au monde de part son histoire et sa beauté, il m’est essentiel de le mettre en avant pour comprendre la spécificité de l’Opéra Garnier et le rapport des danseurs avec ce lieu considéré comme l’Opéra le plus mythique et le plus majestueux au monde. Chaque photo représentera un ou plusieurs danseurs mis en scène dans un endroit précis de l’Opéra Garnier. Les photographies sont effectuées à la chambre, pour comme le dit Meyerowitz, « sublimer le réel ».

J’ai l’impression que tu n’as cessé, depuis tes débuts, de t’approcher de la nature humaine, d’abord en l’observant de loin (American Showcase), puis en dialoguant avec elle (Real Life Super Heroes), et enfin aujourd’hui, en interrogeant le corps et la discipline profonde de l’esprit qu’exige la danse. Est-ce la prise de confiance dans ton travail qui t’a permis d’aller toujours plus loin dans cette approche ?

Au début j’étais un regardant, un témoin sans aucune prise de position sur le réel mais avec un point de vue, une perception de la scène que je souhaitais partager. Puis j’ai cherché à comprendre des gens uniques et extraordinaires et leur rapport à notre société et à ses valeurs, j’ai décidé pour m’exprimer, de travailler la matière et le support pour m’approprier ces univers et mieux les représenter.

Maintenant, je m’assume plus en tant que photographe et je cherche à me rapprocher encore de mon sujet pour créer avec lui et exprimer toute la poésie qui se dégage de son être et de son corps. Je suis persuadé que tout est énergie et que chacun doit partager cette énergie, se l’approprier, la transformer puis la diffuser aux autres. Pour moi la danse et la maîtrise du corps et de l’espace qu’ont les danseurs en sont les plus fidèles représentants et la meilleure image de la beauté, de la poésie et de l’énergie positive que peut créer l’humain. La matière et mon appropriation du sujet sont donc matérialisés par la transformation de mon outil de captation, ce qui me permet de me rapprocher encore plus du sujet et de créer en harmonie avec lui.

Penses-tu pouvoir aller encore plus loin ? As-tu déjà une idée de ton prochain sujet d’exploration ?

J’ai toujours travaillé la matière à partir de mes reportages photographiques, j’aime quand le sujet et le support sont étroitement liés. Avec l’Opéra de Paris j’ai modifié en amont l’outil pour ne laisser au regardant que la forme à s’approprier, j’ai délaissé la matière pour la forme et je suis en ce moment en train de commencer un nouveau projet, associant l’idée de la forme et de la matière à travers la photographie et son support. J’ai développé un nouveau support photographique mais tout cela ne sera visible que dans quelques années, et oui, le processus de recherche et développement étant très compliqué, je prends mon temps pour le maîtriser…